Tema 3: Técnicas, medios y materiales de creación plástica mas usuales

•febrero 6, 2009 • Dejar un comentario

TEMA 3: Técnicas, medios y materiales de creación plástica más usuales

 

Existen muchas técnicas y materiales diferentes para crear imágenes y objetos.

Las tradicionales o artesanas son las que se utilizan desde hace mucho tiempo, como por ejemplo:

-Técnicas tridimensionales (volumen): talla, modelado, vaciado, etc.

-Técnicas bidimensionales: dibujo, pintura, grabado y estampación, mosaico, etc.

Otras técnicas tradicionales son por ejemplo la vidriera, el calado, tejidos, cestería, etc.

También existen otras técnicas más recientes como todas las técnicas derivadas de la fotografía o de las TIC como:

-Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales): fotografía, cine, televisión, video, animación, etc.

-Técnicas infográficas.

También podemos nombrar otras como neón, apilamientos, eat art, object trouve, etc.

Además de las técnicas nombradas existen otros modos de expresión diferentes que no se basan en la creación de imágenes y objetos, algunos ejemplos pueden ser los siguientes:

-Expresión con el cuerpo.

-Creación de situaciones como happening, performance, etc.

-Land Art.

            El material y la técnica con que se pueden crear imágenes y objetos no son lo más importante, puesto que lo más importante es el resultado todas las técnicas son válidas, especialmente en el aula, donde no debemos despreciar ninguna técnica aunque sintamos preferencia por otras.

 

Aunque existen muchas técnicas de creación y continuamente surgen más solo nos centraremos en algunas:

1.      Técnicas y procesos tridimensionales (volumen):

En esta técnica existen unos conceptos elementales:

Adición (lat adire: añadir). Es ir poniendo más, añadiendo más.

Las técnicas de adición son las de modelado, que consiste en dar forma a una materia blanda o que temporalmente permanece blanda. Como materiales de esta técnica podemos nombrar la arcilla, la cera, los yesos y escayolas, la plastilina y otras pastas como el papel o pulpas, etc. Las técnicas más habituales de modelado son los cilindros o churros, placas, macizo, manteniendo hueco o técnicas cerámicas como el torneado.

El modelado exige frecuentemente tener armazones para soportar el peso del material y también se suelen usar palillos de modelar.

Esta técnica permite una mayor libertad de creación porque al ir añadiendo y corrigiendo cada vez que sea necesario, se puede hacer lo que se quiera mientras el material y la estructura aguanten. Permite mucha libertad a la hora de crear esculturas como vemos en “ Eterna primavera” de Rodin, en la que los brazos están totalmente separados del cuerpo, y de estos existen varios modelos para la misma obra, puesto que permite probar y ensamblar cuando se quiera.

La mayoría de estas obras secan al aire, pero las realizadas en arcilla se conservan mediante cocción: una vez ahuecada la pieza de barro y perfectamente seca por el aire, se introduce en un horno cerámico a una temperatura mínima de 800º, entonces se produce un cambio físico-químico y la arcilla endurece y ya nunca volverá a ser soluble en agua, además posee una enorme resistencia a la erosión, sobre todo en cerámica de alta cocción, pero la cerámica a pesar de ser muy dura es muy frágil.

 

Sustracción. Significa quitar. Las técnicas de talla son las técnicas más usuales de sustracción.

Los materiales más usuales son la piedra, la madera (también llamada talla dulce), el marfil (eboraria), el porex (poliespan, corcho blanco) y otros como por ejemplo el ladrillo. El material de talla puede ser de una sola pieza (monolítica, monolito, monobloque), o por el contrario varias piezas unidas entre sí, lo que es muy frecuente en la madera. 

A veces para asegurar que la estructura soporte el peso, se coloca mirando un armazón interno normalmente de metal.

La talla permite menos libertad que el modelado porque depende de la forma del bloque, especialmente si es solo bloque al que no se le ensambla nada más.

Existen dos tipos de talla:

+ Talla directa: se va quitando directamente del material. Miguel Angel afirmó siempre hacer este tipo de talla.

+ Talla indirecta: se copia un modelo hecho en materiales más sencillos de trabajar (barro, escayola, etc.) y se va traspasando a la talla mediante la ayuda de herramientas y máquinas para no equivocarse. Normalmente el modelo no es del mismo tamaño sino que es a una escala menor. Existen distintos procedimientos habituales de talla indirecta:

            -Antiguamente se utilizaban métodos más o menos manuales como el pantógrafo manual o el puntómetro y compases.

            -Actualmente se usan frecuentemente métodos mecanizados e incluso informáticos como el pantógrafo mecanizado (manual o asistido por ordenador) o el escáner 3D por láser y traslación al pantógrafo mecanizado asistido por ordenador.

La gente piensa que los artistas hacen normalmente talla directa, que cogen una piedra o un tronco y se ponen a tallar; en realidad es al contrario, normalmente hacen talla indirecta porque la directa es muy difícil y muy arriesgada, ya que una equivocación podría estropear la obra entera definitivamente.

 

-Construcción. Significa juntar piezas que ya existen para formar la obra.

Uno de los procedimientos más importantes de construcción es la soldadura que puede hacerse mediante técnicas diferentes como de gas, eléctrica, autógena, etc.

Otro procedimiento muy utilizado pero más moderno es el assemblage o ensamblaje que es una variedad de construcción que consiste en unir objetos que ya existen para crear algo nuevo, como la obra “Cabeza de toro” de Picasso, construida por medio del ensamblaje de piezas de una bicicleta.

Desde el siglo XX también se utiliza mucho otra técnica de construcción llamada encofrado que consiste en fabricar un molde con maderas, planchas o cualquier otro material. Luego se llena de hormigón armado, y ya después duro el hormigón, se quitan las tablas o lo que haya cerrado el espacio, y queda la escultura en hormigón. Un gran ejemplo de encofrado es “Elogio del Horizonte”, por Chillida.

 

-Deformación. Como su nombre indica son procedimientos para transformar el material original: golpeándolo, doblándolo, estirándolo, etc.

La orfebrería por ejemplo utiliza muchos procedimientos de deformación como el cincelado, repujado, etc, aunque también utilice técnicas como modelado, vaciado y otros.

La forja es otra técnica que también utiliza procedimientos de deformación, un ejemplo es la forja del dragón diseñado por Gaudí.

El soplado de vidrio es un espectacular procedimiento de deformación, mediante el que se da forma a la pasta caliente del vidrio.

 

-Trasformación. En esta modalidad contemplaremos fundamentalmente las técnicas de vaciado y fundición.

+Técnicas de vaciado: consisten en hacer moldes (o negativos) y rellenarlos después con algún material (positivado). Algunos de estos materiales pueden ser el barro para cocer, yesos y escayolas, cementos y resinas sintéticas.

+Técnicas de fundición: los procesos de fundición son procesos de vaciado muy complejos. La fundición es el procedimiento habitual para copiar esculturas en algún metal.

El material más usual en este arte es el bronce, aunque también se usan bastante el plomo, los metales preciosos, el latón y en menor medida el hierro y otros.

En escultura el más usual es el de la “cera perdida”, y este método de fundición consiste en sacar primero una copia de cera, hueca y con finas paredes, a la que se rodea y rellena de material refractario, luego se calienta todo hasta que la cera se funde y sale del molde, y el espacio donde se encontraba la cera se echa bronce u otro metal y por último se rompe y se quita el molde y se retoca la pieza.

           

            En la actualidad se hacen esculturas con técnicas que no se habían usado nunca, así por ejemplo Cesar utiliza coches prensados para hacer sus esculturas.

También podemos nombrar el holograma que es una “escultura” de luz que se crea mediante láser.

 

2.      Técnicas y procesos bidimensionales:

Los materiales utilizados para estas técnicas son el carboncillo (barras y piezas de madera), la sanguina (barritas de material rojizo), el lápiz de grafito, los lápices de color, la tinta china a plumilla, la tinta bistre (tiene un color terroso muy cálido), la tinta sepia, la tinta más lápiz, el pastel (barras de pigmentos de color aglutinado con goma arábica), las ceras (barras de pigmentos de color y cera u otro material graso), la punta de plata, la tinta china a pincel y aguada (se usa como la acuarela, mezclándola a veces con agua para que salgan tonos más claros), la acuarela (son pigmentos aglutinados con goma arábiga que se disuelven con agua y se aplican en el papel con pinceles. Cuanta más agua usemos más claros serán los colores y el color blanco se obtiene dejando el papel sin pintar. Es una técnica muy rápida y atractiva pero muy difícil de usar, además que de que apenas permite correcciones), el guache o témpera profesional (la témpera tiene una composición parecida a la acuarela pero además lleva pigmentos blancos que le dan “opacidad”, o sea, capacidad de poner unos colores sobre otros. Esto permite retocar, por lo que es mucho más sencilla de usar que la acuarela.), los acrílicos (es una técnica inventada en el s. XX. Los pigmentos se aglutinan con un medio sintético artificial de tipo acrílico y se disuelve en agua.), el óleo (pigmentos aglutinados con aceite de linaza y se disuelve con aceite de trementina o aguarrás. Tiene un secado muy lento, y aunque tiene un excelente acabado no se recomienda para trabajar en primaria), el temple (hay varios tipos según el aglutinante que usemos, puede ser a la cola, al huevo, a la caseina, etc, y todos suelen ser solubles en agua) y el fresco (se pinta sobre un mortera de cal y arena fresco, solo con pigmentos minerales solubles en agua. Una vez seco el mortero, el color queda incorporado a la mezcla y es totalmente permanente.

Para realizar estas técnicas y utilizar estos materiales se pueden usar diferentes tipos de materiales como pinceles, lienzos, aerógrafos, paletas para mezclar colores, diferentes tipos de papel u otros soportes, etc.

Técnicas de grabado y estampación:

Existen varios tipos como los estampados con sellos y con el cuerpo, los monotipos de cristal, el tórculo, el grabado en linóleo o las xilografías.

 

3.      Técnicas de mosaicos

Las técnicas de mosaicos más usuales son las siguientes:

+ El collage

+ El mosaico: el mosaico puede ser con piedras, vidrio, madera y otros (taracea), enguijarrado, etc.

 

4.      Otras técnicas tradicionales:

Un ejemplo pueden ser las vidrieras o los tejidos entre otros.

Para trabajar en la escuela se pueden imitar las vidrieras con otros materiales escolares y dan muy buen resultado.

 

5.      Técnicas de imagen fotográfica e infográfica:

+Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales): fotografía, cine, televisión, video, animación, etc.

La primera cámara de cine fue la de los hermanos Lumiere.

+Técnicas infográficas

Las cámaras digitales, no tienen negativo, sino que convierten la imagen luminosa en un código digital. Esa imagen pixelizada es almacenada en tarjetas, o en memorias de la propia cámara (disco duro).

Mediante el arte digital las imágenes digitales permiten una capacidad para simular lo real (mímesis) espectacular.

 

6.      Modos de expresión no basados en la creación de objetos e imágenes:

Existen varias formas:

-Expresión con el cuerpo.

-Creación de situaciones:

+Performance: el artista trabaja con una situación (parecido a una actuación, pero sin guión cerrado previo): la obra de arte es lo que sucede en esa situación que el artista provoca: normalmente se ofrece para que el espectador reflexione.

+Happening

+Etc.

-Land Art: o “arte de la tierra”, que crea las obras actuando directamente sobre el medio natural.

-Etc.

 

7.      Algunas nociones elementales:

De la idea a la obra acabada. Los pasos habituales en el arte son los siguientes:

-Bocetos y pruebas.

-Modelo.

-Obra definitiva.

Del modelo o idea original a la obra definitiva suele haber mucho trabajo intermedio.

A menudo los artistas utilizan algún tipo de modelo “del natural” (real), ya sea humano o de otro tipo.

El artista no elabora una copia de la realidad sino una interpretación de la realidad.

También es frecuente que se elaboren para las obras de arte uno o más modelos (a veces muy acabados), que usaran de referencia para hacer la obra final, como los modelos de Rodin para su monumento a Balzac.

Además es frecuente hacer maquetas y fotomontajes y diseños por ordenador.

Aunque también se pueden crear las obras sin bocetos ni procesos previos, es el caso de la pintura “alla prima” de paisajes, donde los pintores normalmente no realizaban bocetos o hacían muy pocos.

 

 

acuarela

 

Acuarela

 

dibujo-carboncillo

 

Carboncillo

 

grafito

 

Lápiz de grafito

 

 

 

guache

 

Guache

 

lapiz-color

 

Lápiz de color

 

punta-de-plata

 

Punta de plata

 

pastel

 

Pasteles

 

sanguina

 

Sanguina

 

tchina-plumilla

 

Tinta china a plumilla

 

 land-art

 

 Land Art

 

Las imágenes son de Google.es/Imágenes.

 

 

 

 

 

Tema 2: Elementos de la forma, color, sintaxis de la imagen y composición visual

•enero 3, 2009 • Dejar un comentario

TEMA 2: Elementos de la forma, color, sintaxis de la imagen y composición visual

 

  1. Elementos de la forma

Los elementos de la forma son el punto, la línea y el plano o superficie que forman las figuras.

La línea es una sucesión de puntos y existen diferentes tipos de líneas:

* Rectas

– Horizontal

– Vertical

– Diagonal

– Quebrada (zig-zag)

* Curvas

– Abiertas

– Cerradas

* Mixtas

Inconscientemente establecemos una especie de “eje” vertical (ortogonal al suelo) sobre cada forma, con arreglo al cual establecemos el equilibrio, esto es lo que llamamos el eje de sentido, y nos permite comprender cómo las formas se alejan de lo vertical y adquieren dinamismo, tensión, etc.

También percibimos el equilibrio de nuestros cuerpos con respecto al eje de sentido.

 

RITMOS INTERNOS, REPRESENTACIÓN DEL MOVIMIENTO

Podemos definir como ritmo interno a las líneas imaginarias que resumen la estructura y el dinamismo de una forma.

El ritmo interno es responsable de la sensación dinámica de las formas, de su sensación de movimiento. Cuanto más dinámico sea el ritmo interno de las figuras, o la forma en que parecen estar inscritas, más dinámica será la obra.

Existen posturas simultáneas que representan varias fases del movimiento, como en el Discóbolo de Mirón, dónde se representan las distintas fases del lanzamiento del disco.

Las líneas cinéticas, estelas y rastros son formas únicas de continuidad en el espacio.

La mezcla de posturas simultáneas y líneas cinéticas ayudan a crear un mayor dinamismo.

Otra técnica para crear sensación de movimiento es deformar las figuras.

 

Planos y figuras

Un plano es una sucesión de líneas y los planos puedes ser rectos, curvos o mixtos.

Las figuras pueden ser regulares, como cuadrados y rectángulos, triángulos equiláteros, isósceles o escalenos, círculos, elipses, óvalos, ovoides, hexágonos, heptágonos, trapecios, rombos, etc; y también pueden ser irregulares.

 

Dinámica de las formas

-Rectángulo: tiene carácter estático y equilibrado y poca o ninguna tensión. Tiene predominio de las dimensiones verticales y horizontales.

El rectángulo horizontal tiene un predominio de las horizontales sobre las verticales, por lo que es más reposado que el otro.

Dentro de la dinámica de las formas hay un caso especial, el rectángulo áureo, expresado matemáticamente: a+b = a .

                                                        a      b

 A esta razón áurea que cumple la propiedad se le denomina razón áurea o número         dorado. Este rectángulo es muy habitual tanto en arquitectura como en los objetos que   nos rodean como un simple paquete de tabaco.

-Cuadrado: Tiene carácter equilibrado pero posee tensión interna. Al ser los cuatro lados iguales, sin que ninguno destaque se produce tensión visual entre ellos.

-Círculo: Tiene un carácter muy dinámico, ya que es una curva cerrada que produce un movimiento sin fin. Pero es equilibrado pues establecemos rápidamente el eje vertical.

-Curvas cerradas: Son siempre dinámicas y su equilibrio va a depender directamente del de sus ejes.

-Triángulos, existen tres tipos:

1. Equiláteros: todos sus lados son iguales. Posee un equilibrio total porque el eje de sentido es central y simétrico. Si está apoyado sobre uno de sus lados el equilibrio es muy firme.

2. Isósceles: tiene dos lados iguales.

3. Escalenos: ninguno de sus lados son iguales.

Cuando los triángulos no apoyan ninguno de sus lados sobre la horizontal, se incrementa su tensión y pueden perder el equilibrio. Lo mismo ocurre con otros formas excepto con el círculo, que siempre tiene un eje de sentido vertical.

En definitiva, las formas nos parecen más o menos equilibradas dependiendo de su tipología y de la posición de su eje. Además en su dinamismo pueden influir el color, ubicación en el campo visual o gráfico y otros factores.

Cualquier superficie sirve de soporte para una imagen, por lo que los tipos de formas son infinitos, sin embargo los más comunes son actualmente los rectangulares. Además hay formatos mixtos, en los que se combinan diferentes formatos entre sí, así como formatos múltiples, como los populares polípticos. También podemos encontrar formatos que se subdividen para formar a su vez otros formatos, como ocurre el la Capilla Sixtina.

 

EL COLOR

El color tiene varias dimensiones:

-El matiz o croma se refiere a la denominación del color, es decir el color como tal: verde, azul, amarillo.

-La saturación: es la pureza total del color, que va de la pureza total al agrisamiento.

-Brillo: es el tono de la imagen que va de la luz a la oscuridad.

Existen los colores primarios luz, que son el verde, el azul y el rojo, y cuya suma da la luz blanca; y los primarios materia que son el cyan, el amarillo y el magenta, y la suma de estos da un gris muy oscuro.

La suma de los colores primarios materia dan los colores secundarios que son el verde, el naranja y el violeta.

Se pueden clasificar también los colores en cálidos como rojos, amarillos y naranja o en fríos como los azules. Los fríos pueden calentarse si tienen mucho rojo o amarillo en la mezcla, como algunos verdes y violetas.

También existen los colores terciarios, que son el resultado de la mezcla de los secundarios entre sí. Cuando mezclamos dos colores secundarios que contienen un mismo color primario (como el violeta y el verde) resulta un color terciario en el que denomina el color primario común.

Los colores tienen también un valor perceptivo:

Los cálidos normalmente se ven más grandes y más cerca, se expanden; los fríos por el contrario se contraen y tienden a verse más pequeños y lejos. Por esto en las obras de arte para reforzar la sensación de espacio se suelen utilizar en primer plano los colores cálidos, aunque en el arte siempre hay excepciones, un ejemplo es como cuando todo es cálido, se invierte la sensación de espacio y lo frío se ve más cerca, esto es porque lo frío adquiere un mayor peso visual.

Los cálidos tienden además a verse llenos de luz, mientras que los fríos se relacionan con la sombra.

Los colores más saturados también tienden a verse más cerca y ligeramente mayores.

Hay interacción entre los colores, esto se ve con los colores complementarios. Cada color primario tiene su complementario, que es la mezcla de los otros dos primarios, así el color complementario de cada color secundario es el primario que no interviene en su mezcla.

Cuando los colores están unos junto a otros, interaccionan entre sí y se produce un contraste simultáneo.

Si están próximos dos complementarios como el amarillo y el violeta, se refuerzan mutuamente, igual que ocurre si son colores muy diferentes o con grados de saturación o brillo distintos. Sin embargo cuando están juntos dos colores próximos en el círculo cromático, suelen competir anulándose y distorsionando nuestra percepción del matiz.

Un color primario junto a otro se ve como separado. Sin embargo si introducimos entre ellos el color resultante de su mezcla tiende a verse como una gradación. Establecemos así un “puente” entre ambos.

El contraste simultáneo se utiliza para dar sensación de volumen y espacio.

Existen una serie de armonías elementales:

         Tonales: predominio de un color, todos tienen un poco de ese color.

         De contraste: los colores complementarios y se equilibran entre sí.

         Basadas en combinaciones: por ejemplo pares de complementarios.

 

Los colores transmiten sensaciones y significados.

Los colores pueden operar sobre nuestra percepción y nuestro ánimo. No sólo nos llama más la atención el rojo y lo vemos más cerca que el azul, sino que una habitación pintada de rojo nos resultará menos tranquilizadora que una de azul.

Además los colores suelen tener asociados significados simbólicos. Esto es cultural, ya que por ejemplo el negro es nuestro color del luto mientras que en la India lo es el blanco.

El color tiene un valor psicológico, por ejemplo como el rojo se ve antes y llama más la atención es el elegido como color de stop en el semáforo, o para las señales de peligro.

Cada color tiene un valor simbólico pues cada cultura atribuye un valor a sus colores.

 

Peso visual

Es la capacidad que tiene un elemento visual para captar la atención del espectador.

Hay diversos factores que influyen  en el peso visual:

-la forma: lo vertical parece pesar más que lo horizontal, y las formas regulares tienden a poseer más peso que las irregulares.

-tamaño: tiene habitualmente más peso lo mayor y lo que posee mayor número de elementos o es más complejo.

-color: suele tener más peso lo que posee colores más cálidos, más brillantes o más saturados.

-contraste: tiende a pesar más lo que presenta mayor contraste.

-lo excepcional: pesa más lo que es diferente al resto.

-lo especialmente atractivo: tiene más peso visual lo que es atractivo frente a lo que no lo es.

-situación den el campo gráfico: pesa más lo que se encuentra en el centro, o en la parte superior frente a la inferior, así como la derecha frente a la izquierda.

-ritmo interno: tiene más peso lo que tiene un ritmo interno dinámico frente a un ritmo interno estático.

 

LA COMPOSICIÓN

Las imágenes suelen estar formadas por muchos elementos, y normalmente preferimos que estén dispuestos de modo que al final queden compensados entre sí, y lo que conseguimos con esa compensación es crear una composición equilibrada.

Existen algunas reglas básicas de composición que están basadas normalmente en la ley de la balanza.

Cuando hablamos de peso con respecto a las imágenes nos referimos al peso visual. Según la ley de la balanza cuando situamos el mismo peso a cada lado de la balanza, esta está equilibrada. La balanza se puede equilibrar de dos maneras:

  1. Con pesos idénticos a ambos lados

         Composición simétrica, clásica o estática.

  1. Con pesos desiguales a ambos lados

         Composición dinámica o asimétrica.

El equilibrio más elemental es el que se basa en la simetría pura, es decir, los dos lados son iguales y por tanto tienen el mismo peso visual. Existen muchas composiciones artísticas basadas en la simetría axial aunque también existen composiciones simétricas con el punto focal situado en el centro de la misma, desde donde convergen las líneas de fuga o composiciones por simetría radial.

Los aspectos positivos más importantes de la composición simétrica son los siguientes:

         Es muy equilibrada y perfecta.

         Es relativamente sencilla.

Pero también tiene aspectos negativos:

          Es monótona y a veces aburrida

          A veces es excesivamente estática.

 

La mayoría de las imágenes nos son perfectamente simétricas porque sus creadores prefieren usar la balanza de modo asimétrico, ya que para equilibrar una balanza no tiene por qué haber dos pesos iguales sino que pueden ser distintos pero para que haya equilibrio también deben estar situados a diferentes distancias del centro de la balanza.

 

También es posible tener pesos muy diferentes pero que entre sí se equilibren, pues en eso consiste la composición dinámica, en pesos desiguales a los lados del eje pero que entre sí se equilibren.

En toda composición pero en general en la asimétrica se debe tener en cuenta el distinto peso de cada cuadrante visual. Suele llevar más peso visual lo situado en el cuadrante superior a nuestra derecha, mientras que en el inferior de nuestra izquierda casi no pesan las cosas.

 

No se debe confundir el dinamismo de la forma con el dinamismo de la composición ya que una composición puede ser estática y estar compuesta por elementos dinámicos y viceversa.

 

Otros aspectos de la composición:

Son frecuentes en las composiciones los ritmos internos en diagonal, línea quebrada o líneas curvas cuando buscamos un mayor dinamismo; también son frecuentes las composiciones donde predomina la horizontal para conseguir sensación de reposo y placidez; también se usa la vertical exagerada para acentuar la espiritualidad de una obra. 

Circulo Cromático

 

 

comic-con-movimiento

 

 Las líneas sirven para dar sensación de movimiento

 

 

paisaje-movimiento

 

Las líneas curvas dan sensación de movimiento

 

paisaje-tranquilo

 

La línea horizonal en el paisaje da sensación de calma

 

composicion-simetrica

Composición simétrica

omcomposicion-asimetrica

Composición asimétrica

 

Las imágenes han sido sacadas de Google.es/Imágenes

Tema 1: Percibir, mirar, ver, porder contar, no tener miedo

•diciembre 8, 2008 • Dejar un comentario

TEMA 1: Percibir, mirar, ver, poder contar, no tener miedo

 

A)    Fisiología de la visión: Los sentidos

El origen de todas nuestras percepciones visuales es la luz, cuya fuente principal es el sol, que proporciona una luz blanca y abundante, aunque también existen otras fuentes menos intensas y que la luz que nos proporciona no es blancas, estas fuentes pueden ser el fuego, las velas, las bombillas, las linternas, etc.

La luz blanca es la suma de todos los colores primarios luz, de ahí la diferencia entre los colores primarios luz y los primarios materia.

La luz se propaga en línea recta e incide en los objetos y es reflejada en parte o totalmente hasta llegar a nuestros ojos. Según el espectro que refleje veremos un color u otro, a través de nuestro órgano de la visión que es el ojo.

Nosotros al tener dos ojos tenemos una visión estereoscópica o binocular, es decir, que cada ojo ve una imagen ligeramente distinta del objeto y después el cerebro junta esta dos imágenes en una que se percibe como tridimensional.

El proceso de la percepción visual comienza cuando el objeto físico emite radiaciones y mediante los procesos retinianos se producen una serie de impulsos nerviosos que transmiten al cerebro elementos aislados e independientes para que tras los procesos cerebrales se consiga el objeto fenoménico, que es la transformación de la imagen bidimensional en imagen tridimensional.

El estímulo es un fenómeno exterior, pero la percepción es un fenómeno subjetivo e interior, y aunque los ojos son los órganos principales de la visión hay más canales de percepción asociados a ella, un ejemplo fundamental es el tacto.

El sentido del tacto permite percibir cualidades de los objetos y medios como la presión, la temperatura, aspereza o suavidad, dureza, etc. Este sentido se halla principalmente en la piel, en la que se encuentran diferentes clases de receptores que se encargan de transformar los distintos tipos de estímulos del exterior en información susceptible de ser interpretada por el cerebro, lo que es muy importante para percibir por ejemplo la masa, la densidad o la textura, y estas sensaciones se pueden percibir bien en la Danaide, una escultura de Rodin.

Para percibir el espacio, el volumen, la forma y otras cuestiones, además del tacto y la vista, existen otros modos como son las esferas preceptúales más precoces en el desarrollo humano:

 

-Somática: sus áreas de estimulación son la unidad corporal, límite externo y separación.

Toma como órgano perceptivo a todo el cuerpo y en especial la piel, cuya función de límite entre la integridad corporal y el medio es el objetivo a desarrollar.

 

-Vibratoria: sus áreas de estimulación so la unidad corporal, la percepción interna, la densidad y el volumen.

Los huesos y otras cajas de resonancia son los encargados de posibilitar la asimilación de las ondas que nos llegan en forma de vibración y que se traducen en una experiencia interna.

 

-Vestibular: sus áreas de estimulación es la posición del cuerpo en relación con el espacio.

Es en el oído interno de donde parte la información que posibilita nuestra orientación en el espacio y configura la construcción del equilibrio.

 

B)     “Ver” es más que percibir a través de los sentidos.

Lo que vemos es el resultado final del proceso físico de visión y del complejo proceso neuronal de interpretación y construcción de lo que vemos. Por ejemplo, reconocemos lo que vemos porque lo comparamos con “esquemas” que posee nuestro cerebro. A estos esquemas la GESTALT los llamó “pattern”(modelo).

El esquema es lo que nos permite reconocer que un objeto es lo que es. Esto se conoce como concepto perceptivo individual.

La capacidad del cerebro para reconocer esquemas es prodigiosa, lo que nos permite que el arte pueda se muy imaginativo. Por ejemplo podemos reconocer un árbol tanto en un dibujo de un niño pequeño, como en cuadros que lo representen de formas diferentes, en fotografías, etc.

No solo existen los conceptos perceptivos individuales, sino también los universales que permiten ordenar el mundo en conjuntos, por ejemplo, aunque existen muchas razas de perros, a todos los agrupamos en el concepto de “perro”.

Lo que vemos a través de sus percepciones no es la realidad, sino la realidad para la que está preparado el ser humano, ya que por ejemplo las personas no podemos ver el sol directamente como es realmente porque se quemaría nuestra retina, sino que tenemos que mirarlos a través de fotos, filtros, etc, que ya modifican en mayor o menor medida esa realidad. Así como tampoco podemos ver por ejemplo un óvulo sin ayudarnos de un microscopio. Pero incluso contando con la ayuda de las nuevas tecnologías sigue habiendo cosas que no somos capaces de ver por ejemplo la ondas de radio o los átomos.

 

Leyes de la Gestalt

Son los psicólogos alemanes de principios del s.XX, W.Kohler, K.Kofifa, Lewin y Whertheimer, que agrupados con el nombre de Gestalt-psychologie (que puede traducirse como “teoría de la estructura” o de la “organización”, también muy aceptada como “teoría de la forma” o “configuración”) quienes primero sientan un sólida teoría filosófica de la forma.

 

El cerebro “ve” más de lo que “ven los ojos

Algunas de las pautas con las que el cerebro ve fueron reveladas por los psicólogos de la Gestalt.

  1. Ley de proximidad

Cuando las partes de una totalidad reciben un mismo estímulo, se unen formando grupos en el sentido de la mínima distancia. Esta ordenación se produce de modo automático y, solo por una resistencia del precepto, o por otra ley contradictoria, puede anularse esta lectura.

La Gestalt define estos principios basándose en la Ley Pragnanc (de la “buena forma”) como: lo simple, lo regular, lo simétrico, lo semejante, lo próximo.

  1. Ley de igualdad- equivalencia

Cuando concurren varios elementos de diferentes clases hay una tendencia a       construir grupos con los que son iguales. Si las desigualdades están basadas en el color, el efecto es más sorprendente que en la forma.

  1. Ley de Prägnanz (ley de la buena forma y destino común)

Prägnanz es una palabra alemana difícil de traducir que quiere decir “forma que transporta la esencia de algo”. La usan los psicólogos de la Gestalt como la tendencia de una forma a ser más regular, simple, simétrica, ordenada, comprensible, memorizable…

Las partes de una figura que tiene “buena forma” o indican una dirección con sentido común, forman con claridad unidades autónomas en el conjunto.

  1. Ley del cerramiento

Las líneas que circundan una superficie son, en iguales circunstancias captadas más fácilmente como unidad o figura, que aquellas otras que se unen entre sí. Las circunferencias, cuadriláteros o triángulos producen el efecto de cerramiento.

  1. Ley de simetría

La ley de simetría tiene tal trascendencia, que desborda el campo de la percepción  de las formas para construir uno de los fenómenos fundamentales de la naturaleza. La biología, la matemática, la química, la física y hasta la misma estética se organizan siguiendo las leyes especulares simples o múltiples de la simetría.

Es una ley muy arraigada en el ser humano, cuya propia estructura fisiológica también es simétrica. El macro y el microcosmo parecen regirse por las leyes de la simetría.

  1. Ley de continuidad

Esta ley se constituye con elementos que son comunes a otras leyes ya mencionadas.

  1. Ley de figura-fondo

Es la ley de figura-fondo la que parece que impregna la mayor parte de las configuraciones preceptúales. Y es que desde el momento que se percibe una agrupación se supone como figura o forma cerrada sobre un fondo amorfo e indefinido.

Esta ley perceptiva es la mayor fuerza y trascendencia de todas las demás, ya que en todas late este principio organizativo de la percepción, observándose que muchas formas solo se constituyen como figuras definidas cuando quedan superpuestas o recortadas sobre un fondo más neutro.

Se establecen las siguientes diferencias entre fondo y forma:

         Cuando dos campos tienen la misma línea límite común, es la figura la que adquiere forma y no el fondo.

         El fondo parece que continúa detrás de la figura.

         La figura se presenta como un objeto definido, sólido y estructurado.

         La figura parece que tiene un color local sólido y el fondo parece más estéreo y vago.

         Se percibe la figura como más cercana al espectador.

         La figura impresiona más y se recuerda mejor que el fondo, que queda indefinido.

         El límite o línea que separa figura y fondo, pertenece siempre a la figura.

David Katz agrega otra importante diferencia:

         La distancia de la figura puede ser fijada con más precisión que la distancia al fondo que queda por detrás a distancia indeterminada.

 

ILUSIONES ÓTICAS

Las ilusiones ópticas que demuestran que el cerebro ve más de lo que hay, ya que a través de ellas vemos cosas que no existen y nosotros lo sabemos.

Las ilusiones ópticas no tienen su origen en las interpretaciones que puedan hacerse de la s formas, por las que no están sometidas a un acto de voluntad de aprendizaje por parte del sujeto, sino que actúan directa y misteriosamente sobre el mecanismo visual que lo impresiona, una señal errónea que entra en conflicto y contradicción con la realidad objetiva. Se realizan estas ilusiones en el primer nivel de la visión, por lo que la información que se remite al cerebro es ya una información equívoca, y un conocimiento posterior del hecho no las modifica.

Existen ilusiones ópticas relativas al tamaño, a la dirección y posición, a la curvatura, al movimiento, a los contrastes y postimágenes al contraste y color y al color.

 

“VER” ES MÁS QUE PERCIBIR A TRAVÉS DE LOS SENTIDOS

 

Algunos factores influyentes en nuestra percepción son muy importantes:

 

Los aspectos no conscientes

– Recorridos de la mirada: la tendencia es ver antes y mejor lo que está en la parte superior frente a la inferior y lo que está a la derecha frente a lo que se encuentra a la izquierda.

– Atención a reclamos: por ejemplo, solemos prestar más atención a lo sexual y a las zonas erógenas del cuerpo. Por eso se usa tanto en publicidad, como también se usa lo provocador, lo insólito o lo que está fuera de lugar, porque le solemos prestar más atención.

– Contenidos subliminales: a través de ellos a menudo se utilizan argumentos de tipo machista y erótico.

– Prejuicios: en ellos influye mucho lo cultural. La simple aparición de una corbata y una chaqueta, aunque el peinado no sea adecuado, cambia todo de una persona “peor” vestida.

– Factores que adjetivan: un ejemplo es la luz.

También hay situaciones que adjetivan, por ejemplo un escenario elevado, las luces y un buen sonido acrecientan la importancia de los cantantes.

 

Los aspectos culturales

– Modos de pensar la realidad: un ejemplo es que la nieve es una realidad temible, aunque pensamos que es algo divertido porque estamos acostumbrados a verla así en representaciones románticas, dibujos animados o excursiones confortables.

– Códigos y simbologías interiorizados inconscientemente: un ejemplo es el uso del negro para caracterizar lo malo.

– Contexto: por ejemplo el uso del capirote para los españoles es algo festivo y religioso, sin embargo en Norteamérica es signo de algo perverso como el Ku- Kux- Klan.

 

Los aspectos subjetivos (a veces influenciados por los culturales)

– Vivencias previas

– Miedos, temores

– Ideologías

– Creencias

– Emotividad

– La utilización inteligente de la percepción

Un ejemplo de aspectos subjetivos es como la noche oscura puede ser percibida como algo romántico por unos o angustiosa por otros.

Otro ejemplo es que para unas personas es encantador ver como unos niños se besan en una fotografía y para otros es repugnante utilizar a los niños de manera poco ética.

La emotividad y la voluntad transforman lo que vemos y nos impulsa a interpretar de diferentes formas.

 

C) La percepción como fenómeno inteligente

El verbo percibir se puede definir de varias formas:

  1. Recibir algo y encargarse de ello

      Percibir el dinero, la renta.

  1. Recibir por uno de los sentidos las imágenes, impresiones o sensaciones externas.
  2. Comprender o conocer algo.

 

Vemos desde la cultura y el lenguaje, ya que en las imágenes solo vemos lo que sabemos.

Por ejemplo, cuando vemos el otoño, vemos algo que ha inventado el hombre, porque en la naturaleza no hay separaciones de estaciones, sino que somos las personas las que atribuimos a determinados fenómenos (hojas rojas, ciclo solar…) el nombre de otoño, que empieza a existir como una realidad para la personas pero solo es un realidad cultural.

Nunca podemos estar seguros de lo que otra persona ve, porque completamos lo visto con lo sabido, e interpretamos los datos para darle significado. La inteligencia parece funcionar del revés, ya que vemos las cosas desde el significado, y no se trata de ver las cosas y luego interpretarlas.

Percibir significa coger, pero mediante la mirada solo cogemos los datos de la realidad que nos interesa, porque nuestro ojo está dirigido por nuestros deseos y proyectos.

 

El niño adquiere pronto una cierta independencia respecto a su entorno concreto. Aprende a planificar y sus metas e intereses determinan lo que va a ver.

Los niños seleccionan aquello que les interesa contar o lo que les gusta dibujar o creen que deben dibujar y excluyen el resto. Es una de las razones por las que sus dibujos no son “realistas”.

Podemos ayudar a los niños a ver más, con más atención, pensando que es lo que miran, interpretando con mayor conocimiento, ayudándoles a comprenderlo mejor, pero sin olvidar que son ellos los que luego deben interpretar y crear su trabajos, no nosotros.

También podemos convertir la mirada en una búsqueda, en un proyecto, en una herramienta para pensar el mundo y un modo de vivir, o podemos pasar de puntillas sobre la realidad y que otros decidan por nosotros lo que es vivir, porque una de las posibilidades de la mirada es se creadora.

 

D)    Hacia una mirada creativa e investigadora

 Según decidamos mirar y buscar lo en lo que vemos, encontraremos más cosas y       más posibilidades, o sino atendemos a nada, apenas encontraremos nada.

El dibujo no es la forma la forma sino la manera de ver la forma, ya que el arte no representa, sino que revela y hace visible. Según decidamos mirar haremos una realidad mejor o todo lo contrario. Nuestra libertad decide, ahí radica la “visión poética o creadora”.

Se trata de aprender a ver, al final de aprender  a comprender, de tener una mirada investigadora y de ayudar a los alumnos a construir la suya y a contarla después construyendo historias.

 

E)     Dos objetivos fundamentales para poder contar y crear.

1. Perder los miedos que algunas personas tienen de trabajar el arte y estar abiertos a  todo. Para perder los miedos hay que saber que todo aporta algo valioso, cada mirada es irrepetible y es importante, no temer a las técnicas o al “realismo”, porque hay muchos artes posibles y siempre se puede repetir lo que sale mal; aprender a ver errores y fallos como oportunidades de hacerlo mejor, no como fracasos e incapacidades.

Es muy importante saber y hacer saber que todo el mundo es creativo por naturaleza      y que si podemos enseñaremos a la persona bloqueada técnicas para desbloquearse y   recorreremos con ella el camino para que entienda por qué se minusvalora.

Todos podemos hacer buenas imágenes sabiendo que hay muchas maneras posibles.

Existen tres modos de enfrentarse a la frustración: hundirse, defenderse buscando un culpable o buscar soluciones.

2. Aprender a comprender.

 

Ilusiones ópticas contrastes-y-postimagenes

 

Ilusiones ópticas contrastes y postimágenes

 

Ilusiones ópticas color

 

Ilusiones ópticas  Color

 

Ilusiones ópticas tamano

 

Ilusiones ópticas Tamaño

 

Ilusiones ópticas movimiento

 

Ilusiones ópticas movimientos

 

Ilusiones ópticas direccion-posicion

Ilusiones ópticas curvatura

Ilusiones ópticas curvatura

Imagen con peso visual en la parte superior

Llamen la atencion

 

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Tema 0: Introducción a la Educación Artística

•noviembre 23, 2008 • Dejar un comentario

TEMA 0: INTRODUCCIÓN A LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

 

La realidad es relativa, pues varía según el punto de vista del que se mire.Los conocimientos que se aprenden en la escuela son aún más relativos que la realidad, por ello no debemos seguir estrictamente lo que dice un libro o decreto, sino que debemos tener claro lo que queremos enseñar y tener claro por qué y para qué enseñamos.

Vivimos entre muchos tipos de imágenes en la sociedad que nos pueden enseñar mucho y que lo han hecho a lo largo de la historia.

Aunque las imágenes nos rodean por todas partes, hoy en día y cada vez más están en las pantallas y como no podemos dejar de verlas tenemos que comprenderlas, ya que eso en muchos casos nos ayuda a protegernos de ellas.

Las relaciones discursivas y los procesos de adquisición de información son cada vez más visuales, pues las formas de Cultura Visual han traspasado los límites textuales producidos por las diferencias lingüísticas mundiales. Las Bellas Artes, los largometrajes y los comics (como los manga) son un ejemplo de ello.

Por esto podemos afirmar que más de un 80% de las informaciones son percibidas visualmente, el 13% aproximadamente provienen de canales auditivos y algo más del 5% al resto de los canales perceptivos.

Las artes visuales y el resto de manifestaciones visuales son, con diferencia, el medio que más información transmite.

El imaginario visual se incrementará aún más en los próximos años: “La gran revolución cultural, naciente a fines del s. XIX y rematada por la revolución informática de fines del s. XX, ha revelado la fuerza creciente del imaginario en la cultura, y, pese a las proporciones desmesuradas que ha alcanzado ya la cultura visual, todavía somos incapaces (salvo aventurándonos en la ciencia-ficción) de vislumbrar las dimensiones que pueden adquirir.

Si debemos aprender a protegernos de las imágenes es porque a veces solo pretenden hacernos comprar, o manipular nuestras emociones e ideologías.

Podemos conocer como son las cosas y cómo han sido a través de las imágenes, porque a través de ellas vemos el mundo y construimos el nuestro propio.

Se ha producido un giro epistemológico, cultural e informacional hacia lo visual, porque ahora el arte comprende un nuevo cambio de la cultura visual, reemplaza a las viejas taxonomías basadas únicamente en el Arte, constituyendo un eje curricular basado en la relación transdisciplinar con multitud de saberes.

Debemos adquirir un “alfabetismo” visual crítico que nos permita analizar, interpretar, evaluar y crear a partir de relacionar los saberes que circulan por los textos orales, visuales, escritos, corporales y sobre todo por los vinculados a las imágenes que saturan las representaciones que en las sociedades contemporáneas se realizan a través de la tecnología, y es que cada vez estamos más inmersos en un nuevo régimen de visualidad:

Un mundo dominado por diapositivas visuales y tecnologías de la representación.

Aunque se siguen utilizando las artes tradicionales como modo de representación, también se abarcan métodos de las sociedades postindustriales altamente culturizadas y tecnologizadas, lo que provoca que el carácter estético de la mayoría de los productos y prácticas públicas de nuestra sociedad exija una formación estética lo más amplia posible, destinada a todo el mundo, no solo a los artistas que se dedican a la creación de imágenes.

Lo visual tiene gran relevancia en la construcción identitaria y en la comprensión de la realidad.

Las imágenes poseen un gran poder de evocación y mediación en la construcción de realidades y en la evocación de sentimientos, experiencias, nociones de subjetividad, etc.

Las manifestaciones de la cultura visual contienen más información de la que observamos a primera vista, y es que la mayoría de las imágenes no son producidas por artistas plásticos en el sentido tradicional del término, sino que son el producto final de iniciativas dependientes de poderes políticos, económicos, ideológicos, etc.

Lo visual se convierte cada vez más en el referente principal para niños y adolescentes en la construcción de su comprensión del mundo y en su propia construcción identitaria y social, por eso es extremadamente urgente proveerlos de herramientas que le permitan un abordaje crítico sobre sus propias experiencias de subjetivación en relación con la información visual que consumen: “Los efectos de las imágenes dan forma a la noción de individualismo.”

Educar ciudadanos reflexivos autónomos y responsables para una sociedad democrática y libre exige prestar cada vez más atención a lo visual.

La visualidad y la capacidad para construir argumentos y relatos tienen relación porque concebir el mundo y comprenderlo es inseparable de ser capaz de contarlo. En una sociedad que construye sus interpretaciones de la realidad que construye sus interpretaciones de la realidad principalmente a través de medios visuales, es preciso ser capaz de construir y re-construir las narrativas visuales imperantes y las naturalizadas si se quiere superar una educación académica que sólo es reproductiva.

Es necesario que los niños sean capaces de crear propuestas, construir conocimientos y narrar mediante imágenes y recursos visuales, utilizando técnicas tradicionales y especialmente abordando nuevas tecnologías de la imagen, ya que de no ser así hay quién piensa que los alumnos que no sean capaces de utilizar estos medios pertenecen a los analfabetos del s. XXI.

Las artes visuales contribuyen incuestionablemente al mejor desarrollo del pensamiento divergente y la creatividad, que es uno de los factores necesarios para la libertad y la felicidad.

La capacidad creativa es una capacidad cada vez más demandada en el mercado laboral de calidad, porque es preciso responder a un mundo que cambia muy rápidamente y en el que los conocimientos aumentan vertiginosamente.

Mediante las Artes, el niño desarrolla notablemente la capacidad para “percibir sutilezas y reconocer complejidades entre las relaciones cualitativas del mundo fenoménico”, lo que está muy ligado a la capacidad para desarrollar conceptos y relaciones.

Las Artes Visuales tienen una estrecha vinculación al desarrollo de competencias cognitivas superiores. Una gran parte del conocimiento y la experiencia humanos está registrada e interpretada a través de imágenes. No es posible una interpretación inmediata de las imágenes, sino que el alumno tiene que aprender a interpretarlas y construir aproximaciones fundamentada a sus significados (originales, diacrónicos, actuales…) evitando los discursos e interpretaciones reproductivos. El significado de las imágenes siempre es fruto de procesos sistémicos, lo que hace necesarias estrategias de cognición poliédricas y complejas incluso desde los primeros niveles educativos.

Nuestro pensamiento y representaciones mentales tienen un carácter fundamentalmente icónico: “probablemente el principal contenido de nuestros pensamientos son imágenes, con independencia de la modalidad sensorial en que son generadas y de si se refieren a una cosa o a un proceso que implica cosas, o acerca de palabras u otros símbolos.”

Se ha demostrado la importancia de las artes visuales en la cognición humana y también su capacidad para promover los procesos de aprendizaje complejos (incluidos los procesos de investigación y aprendizaje por proyectos de trabajo, etc.)

Los lenguajes y las artes visuales son un conocimiento instrumental y la práctica de estas artes visuales es decisiva para el desarrollo de la psicomotricidad infantil.

La totalidad de los niños utiliza habitual y naturalmente medios visuales (especialmente el dibujo) para la reflexión, expresión y comunicación. El desarrollo del dibujo y de la capacidad plástica en general es un aprendizaje fundamental para que el niño sea capaz de dar sentido a aquello que le rodea y también a otorgar sentido a sí mismo y a su acción (subjetiva y grupal).Le permite además construir una explicación propia que puede ser hecha pública.

A diferencia de lo que ocurre con otros medios expresivos, cualquier niño es capaz desde pequeño de producir objetos e imágenes con una calidad muy satisfactoria para sí mismo y muy fácilmente sociable.

Para el docente el dibujo  permite observar el desarrollo emocional y cognitivo del alumno y contrastarlo con otras fuentes de información.

El trabajo con Artes Visuales mejora el grado de satisfacción en el contexto escolar de niños y niñas, porque implica unos objetivos flexibles y la capacidad de trabajar también flexiblemente en todo momento: enseñan la flexibilidad de propósito en el curso del propio trabajo, lo que cualifica los aspectos más inteligentes de la conducta organizada (incluida la capacidad de improvisar y buscar “soluciones oportunistas”).

La forma tiene una importancia radical en cómo el contenido es comunicado y recibido.

Forma y función son inseparables y en ocasiones la función no es posible si la forma es deficiente. Las Artes ayudan a refinar la sensibilidad necesaria para que cualquier producto (desde una web a un objeto de artesanía) sea más eficaz y atractivo. Además estimulan en aprecio del proceso de trabajo la atención por la calidad del producto final, etc. La práctica de las artes visuales introduce al alumno en el terreno de la experiencia estética como medio y como fin para obtener satisfacción personal y grupal. Conforme el niño vaya creciendo la experiencia estética espontánea puede ser completada con una búsqueda consciente de resultados caracterizados por la calidad que es una de las características específicas del comportamiento humano.

Para comprender el trabajo plástico de los artistas y el resto de las personas, incluidos sus compañeros, es necesario elaborar trabajos artísticos propios.

Cada vez es mayor la importancia del software de creación con medios plásticos y visuales, extendiéndose su uso en todo tipo de contenidos y áreas.

Los lenguajes y las artes visuales son un conocimiento instrumental, al igual que los lenguajes alfabéticos y numéricos. Esto queda evidenciado en los múltiples sistemas de comunicación e información basados en representaciones y pictogramas, comenzando por los propios de todas las ingenierías y acabando por los códigos visuales de la mayoría de interfaces actuales.

Muchas veces debemos cuestionarnos si es realidad lo que nos muestran las imágenes, especialmente en la publicidad en los medios de comunicación, ya que estas imágenes publicitarias pretenden construir un modelo de mujer genérico, con el que hacer que las mujeres se sientan identificadas y dónde el cuerpo femenino sirva como punto de reflexión introspectiva para representar un modelo de belleza o una fantasía sexual, además la representación corporal no solo sirve de espejo a la mujer sino como guía ideológica. Lo que la publicidad intenta es vendernos una mujer idealizada y perfecta sobre todo en verano, que es la época en la que más enseñamos nuestro cuerpo, por eso nos muestran tantas imágenes sobre cosmética y productos “milagros”, que no es más que una propaganda engañosa.

Existe otro tipo de publicidad que frente a la anterior muestra imágenes más cercanas a la mujer real de nuestra sociedad, para intentar captar la atención de este tipo de compradoras.

Otro aspecto importante que comentar es la diferencia que hay en publicidad entre la imagen de la mujer y la del hombre, mostrando a la mujer provocativa, objeto, perfecta, idealizada, madre de familia, madurita liberada, joven y sometida; mientras que al hombre lo vemos atlético, como hombre de negocios, ocupado, machista, atrevido, dominante ante la mujer, joven y adinerado. Si analizáramos las imágenes de este tipo de publicidad no preguntaríamos que motivos marca esta diferencia.

En mi opinión, una  de las causas de que ocurra esto con la imagen de la mujer en la publicidad es el hecho de que esa misma imagen es la que tiene generalmente la mujer en nuestra sociedad y que a veces crea ella misma, pues aunque resulte extraño decirlo especialmente siendo yo una mujer, el machismo en gran parte lo crean las mujeres y un ejemplo de ello es que a veces las mujeres captan la atención utilizando su cuerpo y queriendo vender algo (no lo digo por el propio cuerpo, sino por atraer gente que consuma y deje dinero)de forma provocativa e intentando acercarse al “modelo de mujer perfecta” cuando realizan un trabajo como “gogo” de una discoteca. No significa esto que una mujer no pueda cuidar su cuerpo para estar bien consigo misma,pero siempre que sea por ella misma y no por un hombre o la estética que está de moda, ya que de otra forma acepta en cierto modo acepta así que los hombres vean a la mujer como un objeto sexual y solo se “quede” con su exterior. Otro ejemplo de cómo a veces las mujeres ayudamos a que no desaparezca  el machismo es cuando a la hora de contratar a alguien que se ocupe de las tareas del hogar o de cuidar a nuestros hijos, siempre (con alguna posible excepción) preferimos que sea a otra mujer, con lo que apoyamos la idea de que los hombres no sirven para estas tareas y solo se pueden ocupar de negocios y de lo que requiera fuerza física.

Últimamente en vez de eliminar esta imagen negativa de las mujeres en publicidad, se está vendiendo también la imagen del hombre con un cuerpo perfecto y seductor, especialmente en publicidad de ropa interior ya que así “realza” la importacia de sus partes íntimas y se muestra como irresistible para las mujeres.

En conclusión respecto al tema puedo decir que en vez de igualar a hombres y mujeres eliminando el problema que ya existía se están igualando poco a poco pero haciendo que el hombre también forme parte del problema.

El desarrollo de la capacidad para crear imágenes y contar cosas con ellas es fundamental. Además permite que el docente observe a través del dibujo el desarrollo emocional y cognitivo del alumno y contrastarlo con otras fuentes de información. Por eso es preciso acostumbrar a los niños a buscar la calidad en todo lo que hacen.

La producción artística es un camino crucial para la comprensión, en parte porque el proceso y el producto de la creación artística permiten a los alumnos experimentar con conexiones creativas y críticas entre forma, sentimiento y conocimiento. Capacita a los alumnos a través de su expresión de ideas y la construcción de identidad, ya que les hace conscientes de las motivaciones, intenciones y capacidades artísticas de otros.

La educación es el medio más adecuado para construir nuestra personalidad, desarrollar al máximo las capacidades, conformar la propia identidad personal y configurar nuestra comprensión de la realidad, fomentar la convivencia democrática y el respeto a las diferencias individuales. Es también el medio más adecuado para garantizar el ejercicio de la ciudadanía democrática, responsable, libre y crítica.

La educación artística nos sirve para saber, ver, sentir, saber hacer, expresarnos y comunicarnos, representar, transformar, narrar y comprender. También nos ayuda a disfrutar de lo sensible, tener experiencias estéticas, ser creativo, usar pensamiento divergente, aprender a investigar, crecer y ser más: vivir intensamente.

Podemos también en cambiar el mundo, mejorarlo, encontrar nuevas posibilidades, apreciar la pluralidad, conocernos, tomar conciencia y objetivar emociones.

Finalmente, pensando en la relación que existe entre las imágenes y la educación, podemos concluir que no podemos prescindir de las imágenes porque estas no solo nos cuentan cosas y provocan sensaciones, sino que colaboran a la hora de construir nuestra propia visión del mundo.

 

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En la publicidad no nos muestran mujeres reales sino el canon con el que consiguen vender productos de belleza y adelgazantes

 

 

 

 

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Si la publicidad nos mostrase la realidad no sería esto lo que realmente nos están vendiendo

 

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El hombre también está vendiendo un modelo estético que se centra en sus partes íntimas que es lo que caracteriza su masculinidad

 

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Aunque hombres y mujeres muestren su cuerpo de forma seductora en la publicidad se sigue presentando al hombre como dominante

 

Las imágenes son de Google.es/Imágenes